lunes, 7 de diciembre de 2015

AND DRIFT AWAY...



Canción:
"Drift Away" (single) - Dobie Gray (1973)

lunes, 30 de noviembre de 2015

THE FLAMING LIPS – YOSHIMI BATTLES THE PINK ROBOTS (2002)


Personalmente, recomiendo dos maneras de escuchar este disco:

1) De un relajado (y relajante) tirón: en ese caso túmbese en una hamaca bajo la sombra de una palmera mientras saborea un cocktail bien frío acariciado por la brisa marina. Si no dispone de ese lujo a su alcance, como es mi caso, deje que sea la hedonista y ensoñadora psicodelia tecnológica de The Flaming Lips la que le transporte a ese paraíso desde el sofá de su casa… Pulse play en su reproductor y sin más preámbulos dispóngase a soñar despierto entrando en un mundo donde las emociones conviven con las máquinas del mismo modo en que las guitarras acústicas lo hacen con la electrónica. 



2) Si no dispone del tiempo o la calma necesarios para darse ese lujo, pero necesita desesperadamente experimentar una muestra sustancial y suficiente de sus bondades antes de regresar a la dura realidad, adminístrese una dosis reducida de ensoñación melódica mediante el procedimiento de pinchar directamente los temazos o canciones superlativas contenidas en el lote, a mayor gloria de la música indie norteamericana. A saber: “Fight Test”, “Yoshimi Battles The Pink Robots Pt.1”, “In The Morning Of The Magicians”, “Are You a Hypnotist??”, “It's Summertime” y “Do You Realize??”. Aun dejando para mejor ocasión la escucha de los restantes y placenteros ejercicios de escapismo psicodélico, saldrá de su casa flotando un metro sobre el suelo. 



“Yoshimi Battles The Pink Robots” musicalmente es brillante y ambicioso, pero por encima de eso, lo importante es que es uno de esos discos que pueden cambiarte la vida. Y aquí es donde uno debería hablar de amor, de emociones, de mortalidad, de un futro incierto y de melancolía en estado puro. Pero sólo diré que, efectivamente, en cierto modo me cambió la vida y que desde que lo descubrí hace ya sus buenos diez años, de una manera o de otra, no puedo dejar de acudir a él con relativa frecuencia… diría incluso que cada vez con mayor frecuencia… Es más, creo que voy por un cocktail

viernes, 27 de noviembre de 2015

MERCURY LIPS BUFFALO JACKET

Mercury



Lips




Buffalo




Jacket




Canciones:
1. "Goddess On A Highway" - Mercury Rev (Deserter's Songs, 1998)
2. "Do You Realize?" - Tha Flaming Lips (Yoshimi Battles The Pink Robots, 2002)
3. "Fuzzy" - Grant Lee Buffalo (Fuzzy, 1993)
4. "Master Plan" - My Morning Jacket (It Still Moves, 2003)

martes, 24 de noviembre de 2015

AHAB - THE ISLE (STUDIO RECORDING VIDEO)

Si en lo que respecta al metal extremo, el pasado 2014 bien pudo ser considerado el año del black metal, este año, con trabajos más que notables como los de Ahab, Tyranny, Shape Of Despair, Skepticsm o incluso el "III" del espectacular triple "Songs From The North" de Swallow The Sun, no hay subgénero que pueda hacerle sombra al funeral doom.  De todos esos trabajos, "The Boats Of The Glen Garrig", de los alemanes Ahab, es sin duda el que más me ha gustado y también uno de mis discos favoritos del año. Un trabajo ambicioso y fascinante que transciende la etiqueta funeral para abarcar géneros como el folk, el prog o el post metal. Por encima de todo, un disco que atrapa no sólo desde la primera escucha, sino desde el mismo inicio de "The Isle", la canción que lo abre de manera magistral y a la que quería dedicar esta entrada. 

La casualidad ha querido que buscando un simple vídeo de audio de la canción en Youtube, me haya topado con este documento colgado por Napalm Records en el que se puede ver la sesión de grabación de este temazo... ¡Qué mejor! Os dejo con él. Espero que alguien lo disfrute.




Canción:
"The Isle" - Ahab (The Boats Of The Glen Glarrig, 2015)

martes, 17 de noviembre de 2015

FOSSILS



Los franceses Crown han publicado uno de los discos metálicos que más me han gustado este año. "Natron" es un oscuro y atmosférico conjunto que canciones navegan entre el sludge y el post metal industrial, con algunos momentos que los acercan al gótico y otros que los emparentan con el post punk. Esta última influencia es especialmente relevante en el caso de "Fossils", el temazo que hoy quiero compartir y en el que la herencia de Joy Division está muy presente, si bien modulada por una querencia melódica en las voces que la acerca al terreno de Radiohead. Una gozada.




Canción:
"Fossils" - Crown (Natron, 2015)

miércoles, 11 de noviembre de 2015

OPEN PASSAGEWAYS


Mitad jam sesion mitad disco de canciones, un grupo de músicos inspirados en plena comunión rockera, sonido cristalino, genial título y mejor música: "Dying Surfer Meets His Maker", el nuevo álbum de All Them Witches, no es un disco al uso y quizá por ello dista bastante de ser un trabajo redondo, pero lo que no se puede negar es que constituye toda una orgía sónica llena de momentos inspirados que son auténtico placer para los sentidos y alimento para el espíritu. Y entre esos momentos destacaría los nueve minutos que suman los instrumentales "Mellowing" e "Instrumental 2 (Welcome To The Caveman Future)", precediendo y sucediendo respectivamente, casi a modo de intro y outro, a un temazo como "Open Passageways", la verdadera llave de este disco y quizá la joya en torno a la cual orbitan el resto de sus escondidas gemas.



Canción:
"Open Passageways" - All Them Witches (Dying Surfer Meets His Maker, 2015)

Lo llaman psychodelta blues...

sábado, 31 de octubre de 2015

TRANSILVANIAN HUNGER


En los primeros 90 se produjo en el norte de Europa la explosión  de la llamada "segunda ola del 
black metal". Darkthrone fueron una de las bandas que lideraron ese estallido, y "Transilvanian Hunger" uno de los discos de referencia para ese insano y blasfemo movimiento que sin embargo supuso un saludable y renovador soplo de aire fresco para el metal extremo. "Trannsilvanian Hunger" es un disco importante en la historia del metal y un auténtico hito para el black metal en particular. La canción homónima que abre el disco es un temazo maligno y supongo también que muy adecuado para esta noche de Halloween. 

La verdad es que nunca he celebrado Halloween, una costumbre bárbara impuesta en nuestra santa y católica tierra a lo largo de la última década... Pero con mis hijos es otro cantar... y ahí tengo al niño con la máscara de "Scream" y a ella disfrazada de terrorífica vampira... En fin, todo sea por la diversión de los enanos que nos empuja a sucumbir al empuje de los nuevos y globalizados tiempos... Yo por mi parte, y ya puestos, me decanto por la versión más maligna del asunto, y nada mejor para eso que los primeros Darkthrone... En fin, que disfrutéis... monstruos.


Canción:
"Transilvanian Hunger" - Darkthrone (Transilvanian Hunger, 1994)

jueves, 15 de octubre de 2015

DEAFHEAVEN – NEW BERMUDA (2015)


He leído que ciertos momentos de "New Bemuda" son un homenaje a Godspeed You! Black Emperor... dado que no he escuchado todavía a los canadienses, me lo creeré; en lo que a mí respecta detecto riffs que parecen sacados de Slayer, y cierto aroma a los primeros Smashing Pumpkins, shoegaze etéreo en la onda de Slowdive o más sucio como My Bloody Valantine, grolws susurrados al modo Agalloch, tremolos masivos y majestuosos con una vibra muy Emperor… e incluso ¡guiños a Oasis!... Sí, aunque parezca mentira estoy hablando de un solo disco y de una única banda, y aunque parezca imposible el resultado no es ningún pastiche, suena natural, homogéneo, nada forzado… suena probablemente como uno de los mejores discos del año para quien esto escribe. Tras el extensamente aclamado “Sunbather” de 2013, Deafheaven podrían haber optado por repetir fórmula y dormirse en sus laureles, pero no, parece que han preferido tomar sus riesgos, y de paso dejarse llevar por su amor a la música que les gusta (intuyo que es el metal y el rock alternativo de los 90), facturando un disco en el que plasman a la perfección ese amor sin perder por ello su identidad ni salirse de su base post black/shoegaze. Lo que más llama la atención: la variedad y dinamismo de unos inesperados riffs completamente thrashies, el protagonismo de la voz, que en contraposición a su anterior trabajo en el que ejercía una labor casi de acompañamiento al resto de la instrumentación, figura en un primer plano y además tiene un registro mucho más black metal; la obligada amplísima gama de registros que debe abarcar -luciéndose de paso- la batería; el solo de guitarra de “Baby Blue” con cuya entrada no puedo evitar acordarme de “While My Guitar Gently Wheeps” aunque después derive hacia algo más Metallica; la maestría con la que consiguen aunar y plasmar todas esas influencias sin que ningún cambio parezca forzado; las milimétricas progresiones que lo hacen posible; la demostración de que si se trata de hacer puro black metal suenan tan auténticos como el que más (la primera mitad del primer tema parece un completo corte de mangas a todos los que lo ponían en duda); el descubrirse de repente rememorando “Champagne Supernova” mientras escuchas un disco de post black metal… Creo que es suficiente ¿no? Y, bueno, entre cinco grandes canciones, dos absolutos y geniales temazos: un monstruo denominado “Baby Blue” y una extraña locura llamada “Gifts For The Earth”. En fin, que hay que escuchar este disco… lo amarás o lo odiarás, pero difícilmente te dejará indiferente.

martes, 6 de octubre de 2015

YOU AND YOUR SISTER








Canción: "You And Your Sister" (Chris Bell)
1. Chris Bell (I Am The Cosmos/You And Your Sister, 1978, single)
2. This Mortal Coil (Blood, 1991) feat. Kim Deal & Tanya Donelly

sábado, 3 de octubre de 2015

CHELSEA WOLFE - ABYSS (2015)


No es nada fácil sustraerse al embrujo que emana el último trabajo de Chelsea Wolfe y evitar precipitarse en su abismo de desesperado romanticismo; de la mano de sus guitarras llenas de fuzz y distorsión y una voz que parece surgida de las brumas de un sueño poblado de fantasmas, la californiana te atrapa en un mundo surreal y fantasmagórico y te lleva con ella a las profundidades de una pesadilla cuya banda sonora se nutre de drone, de electrónica, de trip hop, de folk y de ambiente gótico y claustrofóbico, cuyo único centro es el amor apasionado y sin esperanza y su fin la eterna agonía. El disco empieza fuerte, agresivo… molesto incluso, con todo el ruido y los lentos, marcados e implacables golpes descargados en “Carrion Flowers”… pero la oscuridad y las promesas que ésta trae consigo de la mano de una voz embriagadora cual de sirena tentadora, atrapan lo suficiente como para que una vez empiezas con “Iron Moon” ya no puedas despegar los oídos de su escucha… Poco a poco, con el correr de las canciones, la agresividad va dejando paso a la calma, el sonido de las guitarras se atenúa, al tiempo que se abre camino la electrónica y entran la acústica y el cello… y mientras tanto, la brumosa voz de Chelsea Wolfe ya se ha hecho omnipresente y te tiene atrapado por completo bajo su nebuloso influjo… “Maw”, “Grey Days”, “After The Fall”, “Crazy Love”, “Simple Death”… los temazos se van sucediendo y aunque en ellos puedes captar ecos de Mark Lanegan, o de Marissa Nadler o incluso de Portishead… la oscuridad de las composiciones, el misterio que emanan las melodías, la libertad con la que repentinamente atacan unas guitarras distorsionadas y reverberadas, hirientes y afiladas, y el irresistible embrujo de una voz herida y sinuosa, no dejan de recordarte que te hallas sumergido en el mundo de pesadilla color rojo sangre patrimonio exclusivo de Chelsea Wolfe… Y cuando al final despiertas de ese sueño, ya es demasiado tarde, estas irremisiblemente hundido en la profundidad del abismo. 

No, no resulta nada fácil sustraerse al embrujo de Chelsea Wolfe… Ni ganas que tiene uno de hacerlo…

lunes, 7 de septiembre de 2015

ALGUNOS COMENTARIOS APRESURADOS SOBRE THE BOOK OF SOULS


No pretendo hacer a estas alturas una crítica del mastodóntico “The Book Of Souls”, entre otras cosas porque siento que me viene grande; de hecho, esta entrada iba a dedicarla en un principio a “Tears Of A Clown”, una de las canciones que más me han llamado la atención en las primeras escuchas del doble álbum de Iron Maiden… Pero a la mierda, al final he decidido que me apetece hablar de todo el disco, aunque solo sea para dejar constancia de mis primeras impresiones. Para empezar decir que he disfrutado de cada una de las escuchas –pocas- que llevo hasta el momento. Creo que el disco es potentísimo y que además ganará con las sucesivas escuchas. De momento no termino de pillarle el punto a la canción que da título al álbum, me parece algo insulsa y encima es demasiado larga, pero aparte de eso no tengo muchas más objeciones. Llama la atención la larga duración de la mayoría de canciones, asunto que en alguna de ellas puede ser un pequeño problema, por ejemplo creo que “The Red And The Black”, siendo pese a todo un verdadero temazo (amo sus coros y sus solos), se alarga innecesariamente, restándole al conjunto algo de pegada… y aun así sigue figurando entre mis favoritas del disco. Después está el caso de los dieciocho minutos de “Empire Of The Clouds”, en la que, tras unos primeros minutos brillantes con el protagonismo absoluto del piano y la voz de Bruce Dickinson, entramos en una, a mi parecer, demasiado extensa parte central llena de promesas incumplidas, de buenas ideas que no llegan a desarrollarse ni a cuajar, quedando al final un poco en la indefinición y el conjunto en un intento a mi parecer fallido aunque valioso… Bien, hasta ahí los peros. El resto del repertorio en lo que a mi respecta se divide entre buenas canciones y verdaderas joyas. Y estas últimas son las que quiero nombrar: majestuosa “If Eternity Should Fail” abriendo el disco; inspirada y entrante “The Great Unknown”; la citada “The Red And The Black”, simplemente brillante pese a su extensión; brutal "When The River Runs Deep" y sus adictivos solos; las contundentes “Shadows Of The Valley” y “Tears Of A Clown”, que seguidas una tras otra elevan a lo más alto el tramo central del segundo disco… Y sí, reconozcámoslo también, varios momentos memorables de “Empire Of The Clouds” cerrando el disco... En fin, sin ser un exhaustivo conocedor, teniendo en cuenta las pocas escuchas y salvando las 3 o 4 indiscutibles e irrepetibles obras maestras que los Maiden facturaron en los 80, mi primera impresión es que "The Book Of Souls" bien podría acabar ocupando un lugar muy alto en el conjunto de su discografía. Tiempo al tiempo. Por mi parte, ya me he dado el gustazo de escribir unas líneas sobre el el artefacto en cuestión.  Ahora, a seguir escuchando... Reconozco que me hacía ilusión.

Quería poner un vídeo de “Tears Of A Clown”una canción cuyo título en principio no me hacía albergar muchas esperanzas, pero que desde el primer acorde de su poderoso comienzo disipó todas mis dudas. Compacta, medida, contenida y no exenta de épica. Perfecta... Pero dados ciertos problemas con youtube de momento lo dejamos ahí. Quizá más adelante...

lunes, 6 de julio de 2015

WITH A SORT OF GRACE I WALKED TO THE BATHROOM TO CRY…


O de cómo Mark Kozelek transmuta repentinamente en el Neil Young de “Ragged Glory” en el último disco de Sun Kil Moon… 

Pues sí, tan solo un año después de que “Benji” figurara entre los mejores discos del pasado año por estos lares, el folk intenso y visceral de Sun Kil Moon regresa en un nuevo trabajo que con tan solo unas pocas escuchas ya me tiene otra vez rendido a sus pies. “Universal Themes” no es un disco fácil ni que entre a la primera, sin embargo es tal la profundidad y visceralidad que transmite que no le resulta nada fácil a uno soltarlo una vez que se ha metido en él… Da igual que a uno le cueste pillar las letras en inglés sin tener el texto delante para leerlo al mismo tiempo, lo que trasmite Mark Kozelek está por encima de sus descarnados textos, es sencillamente sentimiento puro y emoción extrema… 

Pero no, no es de esto precisamente de lo que quería hablar, o más bien compartir. Hablaba antes de folk intenso y visceral, y en gran parte de eso es de lo que se trata este disco, de canciones de folk completamente anárquicas y llenas de giros, canciones casi tan largas como los alocados o surrealistas títulos de algunas de ellas, en las que con el pasar de las escuchas uno va descubriendo nuevos detalles al principio quizá desapercibidos (el solo bluesero de guitarra española en “Cry Me A River Williamsburg Sleeve Tattoo Blues” no tiene precio) o en las que uno se encuentra de repente rememorando cosas que tienen más que ver con un pasado ochentero y noventero más cercano al rock independiente de aquellas décadas que al folk (el motivo principal de “Little Rascals” a mí me suena completamente a Sonic Youth por muy folk que sea… y a medida que avanza la canción a una mezcla de aquellos con los primeros REM, cosas mías, supongo…). Pero canciones de folk, al fin y al cabo, y como tales predominantemente acústicas… Pero ¡ay amigos!, esto tiene sus excepciones, y aunque bien podría mencionar en este punto la semi eléctrica “Ali/Spinks 2” con su aire Pavement por los cuatro costados (sigo con mis cosas), la que a mí me rompió el molde, del mismo modo en que rompe el disco por la mitad, es la que da título a esta entrada con su suciedad eléctrica y contundencia abrasadora directamente e inequívocamente heredadas del “Rocking In The Free World” o de ese memorable monumento sonoro llamado “Ragged Glory”. Porque sí, puede que sea Mark Kozelek, quien compone, toca y canta esta canción, pero es el añorado Neil Young de esas épocas quien toma posesión de él mientras lo hace. Adictivo. Abrasivo.



Canción:
"With A Sort Of Grace I Walked To The Bathroom To Cry" - Sun Kil Moon (Universal Themes, 2015)

domingo, 19 de abril de 2015

THIS MORTAL COIL PLAY GENE CLARK


Antes de entrar en materia, decir que me inicié en la discografía de This Mortal Coil hace ya unos cuantos años mientras me dedicaba a "youtubizar" buscando covers de Gene Clark. Así que casi puedo decir que su descubrimiento se lo debo a él, aunque no fuera exactamente así, ya que por lo menos de nombre ya los conocía gracias a una versión de "Song To The Siren" de Tim Buckely (a quien entonces no conocía) que me gustaba mucho y que sacaron a mediados de los ochenta. 

Más que una banda, This Mortal Coil fue un proyecto personal del fundador del sello 4AD, Ivo Watts-Russell, cuyos únicos miembros permanentes eran él mismo y el productor John Fryer y alrededor del cual giraba todo un elenco de músicos y colaboradores ligados a aquel sello discográfico que iban y venían en cada entrega. Entre 1983 y 1991 This Mortal Coil publicaron tres álbumes y varios singles y EP’s en los que, moviéndose dentro de un amplio abanico estilístico que incluía folk, ambient, dream pop, dark wave, gothic, post punk y neoclásica, se dedicaban a revisar de manera innovadora canciones clásicas que para Ivo tenían un significado especial, normalmente temas folk y psicodélicos de los años 60 y 70, y a componer temas casi siempre instrumentales en los que los músicos participantes podían dar rienda suelta a su creatividad saliéndose de los parámetros en los que normalmente se movían en sus respectivas bandas. Por este proyecto pasaron miembros de bandas como Cocteau Twins, Modern English, Dead Can Dance y gente como Lisa Gerard, Alison Limerick, Kim Deal o Tanya Donelly entre un largo etcétera. En frente, en lo que se refiere a los artistas versionados, desde el primer momento en que me acerqué a los discos me resultó llamativa y atractiva la aparente predilección de Ivo Watts-Russell por los perdedores y los héroes trágicos o malditos, y así lo atestiguan los nombres de Tim Buckley, Alex Chilton, Syd Barret, Roy Harper o Chris Bell, cuyas canciones fueron revisadas de manera exquisita y original a lo largo de las sucesivas entregas, algunos de ellos por partida doble o triple (quizá “Song To The Siren” interpretada por Elisabeth Fraser de Coteau Twins sea la más conocida de todas estas revisiones, y con razón, pero ninguna de ellas deja de constituir una pequeña joya). Y como aquí estamos a lo que estamos, yo me voy a centrar en dos canciones que fueron también objeto de revisión por parte de This Mortal Coil y cuyo autor entra de lleno en esa categoría de héroes trágicos que dejaron tras de sí huellas imperecederas en forma de canciones. Estoy hablando, cómo no, de mi querido y admirado Gene Clark

El segundo disco de This Mortal Coil, un álbum doble publicado en 1986 con el título de “Filigree & Shadow”, incluye en la segunda de sus cuatro caras una revisión de la enorme “Strength Of Strings”. La canción original de Gene Clark, incluida en el genial “No Other” de 1974, era un apasionado y épico vuelo de dimensiones místico-cósmicas que ejemplificaba por sí sola todo el exceso de aquel maravilloso trabajo. La revisión a cargo de This Mortal Coil, con la voz de Dominic Appleton cumpliendo muy bien su labor, sustituye el apasionamiento de Clark por una frialdad y oscuridad góticas aunque manteniendo el tono grandilocuente de la original, algo en lo que los magníficos coros (al igual que en la original de Clark) tienen mucho que ver. Y en fin... añadir que el conjunto que forma esta canción con la revisión de “Morning Glory” de Tim Buckley, que sigue inmediatamente después, siempre me ha parecido el mejor y más emocionante momento de aquel disco. 





Pero no se acaba aquí la predilección de This Mortal Coil por llevar  a su terreno temas de Gene Clark. En "Blood", su tercer y último álbum, publicado en 1991, recurrieron a una nueva canción del ex-Byrd. En esta ocasión eligieron “With Tomorrow”una de las más hermosas canciones compuestas por Gene, que estaba incluida en el White Light de 1971, y una de las joyas de nuestro héroe por las que siento mayor debilidad. La versión de This Mortal Coil  es bastante diferente de la original, pero logra transmitir casi el mismo grado de emoción que aquella. En este caso pasamos de la acústica, la slide y la sentida voz de barítono de Clark a los teclados, sintetizadores y la etérea y vaporosa voz de Deirdre Rutkowsky; de una deliciosa y sencilla joya del folk a una delicada pieza de orfebrería dream pop... Y el resultado puede poner también la piel de gallina. Un apunte antes de escucharla: el final de la versión de TMC es chocante y casi anticlimático, es lo que sucede cuando la escuchas por sí sola, pues la finalidad de cada canción dentro de ese trabajo es que sean escuchadas integradas dentro del conjunto como un todo y por eso van enlazadas una con otra por medio de transiciones sin solución de continuidad, y sólo así escuchadas adquieren pleno sentido (la sucesión de las seis primeras canciones, por cierto, es alucinante, con tres verdaderas gemas como “Mr. Somewhere” (The Apartments), “With Tomorrow” (Gene Clark) y “You And Your Sister” (Chris Bell) alternadas con breves piezas instrumentales de ambient, neoclásica, dark wave, acid… entre las que las versiones van “engarzadas” constituyendo la verdadera chicha del disco… y qué chicha).





Canciones:
1. "Strength Of Strings" - This Mortal Coil (Filgree & Shadow, 1986)
2. "Strength Of Strings" - Gene Clark (No Other, 1974)
3. "With Tomorrow" - This Mortal Coil (Blood, 1991)
4. "With Tomorrow" - Gene Clark (White Light, 1971)

viernes, 17 de abril de 2015

BLACK METAL 2.14 (VI): TOP LIST


Bien, acabemos con esto que ya es hora. Tras el repaso por entregas a los discos de black metal (en sentido amplio) que más me gustaron el año pasado, aquí va una pequeña top list con mi orden de preferencias, que -todo hay que decirlo-, son bastante cambiantes. Aunque eso sí, en el caso de una hipotética lista de favoritos de metal extremo en general, los siete primeros saldrían sin ninguna duda. En fin, basta de rollos, estos son los discos, premio mayor para Mayhem y su brutal "Esoteric Warfare"... no, no soy muy original.

               1. MAYHEM“Esoteric Warfare” 
               2. SCHAMASCH“Contradiction” 
                3. SO HIDEOUS“Last Poem/First Light” 
                 4. INFESTUS“The Reflecting Void” 
                  5. NACHTMYSTIUM“The World We Left Behind” 
                   6. DARK FORTRES“Venereal Dawn” 
                    7. PRIMORDIAL“Where Greater Men Have Fallen” 
                     8. MARE COGNITUM“Phobos Monolith” 
                      9. WAYFARER“Children Of The Iron Age” 
                      10. WOODS OF DESOLATION - “As The Stars” 
                        11. DEADWOOD“Picturing A Sense Of Loss” 
                         12. CHAOS MOON“Resurrection Extract” 
                          13. NUKLEAR FROST“Subjugation” 
                           14. ANAAL NATHRAK“Desideratum” 
                            15. BLUT AUS NORD“Memoria Vetusta III – Saturnian Poetry”


Adios, chicas blackmetaleras...

viernes, 10 de abril de 2015

BLACK METAL 2.14 (V): POST BLACK


Pues sí, dejo la última entrada de este repaso al mejor black metal del 2014 para un subgénero que, tras el triunfo incontestable del “Sunbather” de Deafheaven en 2013, parece estar cosechando una verdadera legión de seguidores así como incorporando a sus filas un sinfín de nuevas bandas. Aunque algunos de los discos ya reseñados en este repaso podrían haber entrado perfectamente en esta categoría, los casos de Mare Cognitum y Woods Of Desolation son los más obvios, para mí hablar de post black en 2014 es hacerlo sobre todo de dos bandas, ambas curiosamente con sus respectivos debuts en larga duración: en primer lugar los alemanes Deadwood, que a final de año nos sorprendieron con un consistente álbum lleno de buenos e inspirados momentos. Y sobre todo los neoyorquinos So Hideous, que tras dos prometedores EP me volaron los sesos con un maravilloso largo titulado “Last Poem/First Light”. Vamos con ellos. 


Deadwood – “Picturing A sense Of Loss”


Mencionaba antes a Deafheaven y es justo volver a hacerlo ahora, pues la música de Deadwood está muy en la onda post black/shoegaze de los norteamericanos, si bien potenciando la parte atmosférica y melódica y –también hay que decirlo- sin alcanzar sus cotas de genialidad. Todas las canciones tienen largos y preciosistas desarrollos instrumentales que crean atmósferas ensoñadoras y llenas de melancolía de la mano de unas guitarras de sonido cristalino y unos solos que suenan llamativamente clásicos para una banda de black metal. El resultado es un impecable conjunto de canciones algunas de las cuales son verdaderos temazos para recordar, como la inicial “Burden Of Remembrance”, “Soiled” o la que cierra el disco “NA1.7”. Como dije antes, una agradable sorpresa. 








So Hideous - “Last Poem/First Light”


Para empezar decir que no tengo muy claro si este disco es de 2013 o de 2014, en cualquier caso no me puedo resistir a incluirlo en este repaso pues es sin duda uno delos discos de metal extremo que más me impactaron el pasado año. Así pues, en lo que a mí respecta, va en la lista de 2014. Bien, ¿cómo definir este trabajo en pocas palabras? Pues sin duda como un apasionado y épico poema romántico, no se me ocurre mejor manera de hacerlo ni para describir las emociones y sentimientos que transmite esta obra de post black ruda y cristalina a un tiempo, de extrema dureza y emocionante sensibilidad, de banda de guitarra bajo y batería y orquesta de cuerda y coro. Son treinta minutos escasos de emoción y sentimiento puro, de belleza y melancolía, de apasionada fiereza, de amor… sí de amor. Black metal, post rock, hardcore y shoegaze son estilos que confluyen y se combinan en en esta obra de manera magistral en temazos como “Stabat Mater”, “My Light” o “Last Poem”, pero no son los únicos, sino que lo hacen para fundirse con la música clásica aportada por la colaboración de The First Light Orchestra, en una fusión que lejos de sentirse forzada se siente fluir de manera orgánica y natural y que alcanza su clímax en el tema de cierre, “Glory”, nunca una canción de puro black metal ha sonado tan apasionada, romántica y solemne. Mención especial para el vocalista Chirstopher Cruz y la pasión y el sentimiento que logra transmitir con su increíble interpretación. “Last Poem/First Light” es una obra impactante y sublime, romántica y apasionada que para mí se situó sin duda entre lo más alto del metal extremo del pasado año.




Próxima entrada: Top List...

martes, 7 de abril de 2015

EL REGRESO DE LA BESTIA


Han vuelto. Los apóstoles del doom espacial, los sumos sacerdotes del culto del riff masivo, los alquimistas del drone megalítico, los chamanes de la psicodelia sideral, los jinetes del ruido perdido.... en fin, el mamut volador no identificado… ¡Ha vuelto a la Tierra para aplastar bajo su peso todo cuanto se cruce en su camino!

Así es, queridos hermanos, la nueva maquinaria pesada de los doomsters italianos Ufomammut ya está aquí y se llama “Ecate” y… no, no tengo ahora intención de aburriros tratando de describirlo… No, lo único que en este momento quiero realmente hacer, lo único que realmente puedo y estoy en condiciones de hacer es escuchar por enésima vez “Temple”, sin duda la mejor y más adictiva canción de las seis que componen la nueva losa de electrificado hormigón lanzada por los italianos. Una alucinógena apisonadora, una apología del riff, una orgía de sonidos extraños que a buen seguro satisfará los bajos instintos de todos los degenerados deseosos de martirizar a su vecino pinchando riffs rompecimientos a todo volumen. Así que ahí va… esto se llama “Temple”, quedas advertido…



Canción:
"Temple" - Ufomammut (Ecate, 2015)

martes, 31 de marzo de 2015

BLACK METAL 2.14 (IV)




Blut Aus Nord – “Memoria Vetusta III - Saturnian Poetry”: Reconozco que no he escuchado los Memoria Vetusta I (1996) y II (2009)… Después de esto quizá deba darles una oportunidad a esos trabajos y algunos otros de esta prolífica banda francesa. Tenemos aquí un disco de black metal melódico de corte clásico con una clara y resultona influencia folk en las melodías, riffs variados y dinámicos y alternancia de voces guturales y limpias que quedan sin embargo en un segundo plano en el desarrollo de las canciones, cuyo peso creo que lo lleva principalmente la parte instrumental. Un disco sin alardes pero muy sólido; no excepcional, pero manteniendo el buen tono sin apenas fisuras, especialmente para mi gusto en su primera mitad, donde se encuentran temazos rocosos, melódicos y folkies como “Paien”, “Tellus Matter” y “Forhist”.
 



Wayfarer – “Children Of The Iron Age”: la introducción acústica que abre el disco remite inmediatamente a Agalloch, sin embargo Wayfarer, manteniéndose dentro de las coordenadas del black metal atmosférico y el neofolk suenan más crudos, áridos y “death” que la veterana banda de Oregon. Sus canciones son largas y aparentemente monótonas, pero esa es una sensación engañosa proveniente del tono general de un disco que transcurre poderoso e imperturbable como un río por su cauce, aparentemente sereno pero llevando bajo la superficie toda la violencia de una corriente que todo lo arrastra a su paso… Una corriente en cuyo flujo de percusiones casi rituales, pasajes acústicos y compactos riffs que fluyen y cambian con la naturalidad del agua entre ásperos growls y largos desarrollos instrumentales es inevitable quedar atrapado. “Children Of The Iron Age” es un disco absorbente que gana con cada escucha, que suena orgánico y evoca naturaleza por todos sus poros… ¿Tendrá algo que ver el hecho de que se ha gestado en el gran estado de Colorado?



Woods Of Desolation – "As The Stars": WOD han dado un pequeño giro estilístico hacia el sonido post black/shoegaze. Las guitarras suenan sucias y envolventes, las atmósferas son cautivadoras, con momentos de gran belleza, algunos llenos de delicadeza y otros de violencia un punto contenida, pero sin perder nunca el sentido de la melodía, las voces suenan profundas y dolidas, siguen los tonos melancólico-depresivos pero se dotan también de una nota de luminosidad… No era fácil sacar un disco después del gran “Torn Beyond Reason” (2011) y encima tras haber perdido la mitad de la banda por el camino… Pero han logrado salir airosos. "As The Stars" es un disco que se disfruta de principio a fin.



domingo, 29 de marzo de 2015

DOS PILDORAZOS...

Pues sí, no tengo hoy demasiadas ganas de escribir pero sí de compartir rápidamente un par de pildorazos de puro rock and roll de sendos discos con los que me he hecho esta semana.

Desde el Reino Unido el debut de  Ironrat es un arrollador y adictivo cóctel de stoner doom  pantanoso, groove y heavy metal, a lo largo del cual los nombres de Sabbath, Down o Danzig acudirán sin duda a tu mente mientras mueves la cabeza como un poseso... Para muestra este "Morphine Soul"... Primer pildorazo (este puede ser uno de mis discos adictivos del año).

video


Y de unos debutantes a unos ilustres veteranos. Los thrashers norteamericanos Prong se nos presentan este año con un disco de covers con el que rinden tributo  a las bandas o canciones que les han marcado a lo largo de su carrera; en él encontramos temas de Sisters Of Mercy, Fugazi, Husker Du, Butthole Surfers, Black Flag... y hasta del mismísimo Neil Young, nada más y nada menos que "Cortez The Killer" que aquí me traigo para vuestra valoración y disfrute. Segundo pildorazo ¿Qué opináis?



Canciones:
1. "Morphine Soul" - Ironrat (Monument, 2015)
2. "Cortez The Killer" - Prong (Songs From The Black Hole, 2015)

jueves, 26 de marzo de 2015

BLACK METAL 2.14 (III): ONE MAN PROJECTS


Parece que los “one man projects” son algo bastante habitual en la escena del black metal, realmente no sé a qué se debe ni me he detenido a preguntármelo … el caso es que aquí me traigo –con bastante retraso, por cierto- las tres propuestas de este tipo que más me llamaron la atención el pasado año (por cierto, en este 2015 ya tenemos el primero de ellos: Leviathan, nombre de guerra para Jim Whitehead, cuyo álbum “Scar Sight” ya me tiene bastante enganchado). 



Chaos MoonResurrection Extract (2014): El nombre detrás de este proyecto es el del norteamericano de Tennessee, Alexander “esotérica” Poole, que compone, canta y toca todos los instrumentos de “Resurrection Extract”, su segundo disco hasta la fecha. Un trabajo bastante denso de nueve canciones cuyo sonido me recuerda en algunos momentos a Wolves In The Throne Room por la combinación black metal/dark ambient y esa especie de electricidad latente que recorre el disco de principio a fin. Las guitarras suenan sucias y ásperas… y sin embargo al mismo tiempo se tiene la (errónea) sensación de que se están usando sintetizadores debido al uso de unos efectos de guitarra que crean una atmósfera de adagio sin fin. Todo el disco es como una permanente cascada de airada melancolía en base a capas y capas de efectos, distorsión, reverberación… un muro de sonido sobre el que las voces distantes se elevan como gritos de interminable lamento. Junto a toda esa intensidad sonora, su tono de desesperanza e inexorabilidad nos introduce en muchos pasajes de lleno en el terreno del post metal. En otros, es el dark ambient el que cobra protagonismo brindándonos algunos momentos de calma, una calma tensa que no nos libra de la sensación de desasosiego pero sí permite descansar nuestros oídos durante algunos minutos y que se concentra sobre todo en la segunda mitad del disco, donde se encuentran también las mejores canciones. Y es que creo que es un disco que mejora con el correr de las canciones para alcanzar un clímax final realmente potente. 




Mare Cognitum – Phobos Monolith (2014): El geniecillo detrás de este proyecto se llama Jacob Buczarsky. Hablamos en este caso de black metal atmosférico, algo también aplicable a Chaos Moon, con la diferencia de que si en aquellos mencionaba ciertas similitudes con WITTR, en este caso, si bien éstas están también presentes, los parecidos están más hacia el lado de Deafheaven, esto es: una combinación de black metal con post metal (o simplemente, post black metal) a la que, en este caso, se añade además un preciosismo casi barroco que quizá por momentos puede llegar a saturar un poco. Un disco grandilocuente y un quizá tanto excesivo pero en cualquier caso lleno de fuerza y melodía, de épica y melancolía en el que pese a su carácter extremo se aprecia una búsqueda deliberada de la belleza. También aquí tenemos un verdadero muro de sonido a base de efectos, pesados riffs y extensos desarrollos que pueden recordar a bandas de post metal como Isis y capas superpuestas de tremolo guitars llenas de barroquismo que se elevan hasta el infinito en épicos crescendos, contrastando con puntuales y delicados arreglos de piano o de cuerda. La voz gutural es más susurrada que gritada, camuflada casi como un instrumento más dentro del abrumador muro de sonido.




Infestus – The Reflecting Void (2014): Siguiendo la buena senda de su anterior “ExIIst” (2012), el multiinstrumentista alemán “Moloc” nos ha regalado con “The Reflecting Void” un disco pulcro, elegante y cuidado hasta el mínimo detalle. Un trabajo brillante de oscuridad envolvente cantado en inglés y alemán que alterna un black metal reflexivo, casi contemplativo, con pasajes que incursionan en la arena del metal progresivo y que se ha colado en varias listas de lo mejor en su género. La razón: grandiosos y grandilocuentes riffs, guitarras cristalinas, atmósferas oscuras y opresivas, estupendos cambios de ritmo, sublimes momentos sonoros y sobre todo excelentes canciones que te atrapan a las primeras de cambio sumergiéndote muy a tu pesar en la atmósfera siniestra que emana todo el disco… “Constant Soul Corrosion”, “Innere Reflexion”, “Devouring Darkness”… Sí, así es…



Continuará... creo.

martes, 24 de marzo de 2015

STEVEN WILSON – HAND. CANNOT. ERASE (2015)


Dos pesos pesados de más de diez minutos situados estratégicamente al principio y al final del disco, “3 Years Older” con un toque muy setentas en voces y guitarras y “Ancestral” un prodigio de electrónica y rock progresivo con un solo de guitarra de tintes épicos, ambos con espacio suficiente para albergar los tramos más metálicos de todo el disco y para dar rienda suelta al virtuosismo compositivo e instrumental de Steven Wilson. Entre ambos un bloque de seis canciones que suenan ligeras y llenas de gancho pop que te llevan en volandas de uno a otro, con espacio para unas melodías que no querrás quitarte de la cabeza, la electrónica y una atmósfera de tenue psicodelia. Este bloque me trae recuerdos de Alan Parsons o del Mike Oldfield más pop, con piezas luminosas como “Hand. Cannot. Erease” o “Perfect Life”, “Routine”, una delicatesen situada a medio camino entre esta misma onda de magia melódica y la densidad y complejidad de los pesos pesados, la vertiente más rítmica y progresivo-psicodélica brilla con fuerza en “Home Invasion”, “Transience” y “Regret 9”. Y antes de la despedida una impagable joya titulada “Happy Returns” pone a prueba nuestros sentimientos y nos deja con su melodía jugueteando entre nuestras neuronas. Dos temas breves abren y cierran el disco a modo de intro y outro respectivamente. La profunda tristeza y la alegría luminosa se sienten al unísono, se dan la mano, se complementan y se apoderan de ti resistiéndose a abandonarte… No quieres que lo hagan, sólo quieres seguir experimentándolo, una vez y otra y otra más… 

Tras dos discazos como “Grace For Drowning” (2011) y “The Raven…” (2013), Steven Wilson ha vuelto con “Hand. Cannot. Erase”. Y lo ha hecho sin repetirse a sí mismo y con el que puede que sea su disco más equilibrado y asequible. Y desde luego, ahora mismo, mi favorito. Un prodigio de melodía lleno de delicadeza pop que no renuncia sin embargo a la complejidad compositiva y a la profundidad del contenido lírico. Una gozada, una masterpiece que no para de crecer…

jueves, 12 de marzo de 2015

GENE CLARK Y THE BYRDS: TRES SEMANAS DE 1967

Sí, posiblemente la peor foto que nos han tomado.

No quiero dejar pasar este comienzo de temporada sin recuperar a un protagonista por largo tiempo e injustamente olvidado en el blog: estoy hablando de mi querido y genial Gene Clark y, en este caso, de sumar un capítulo más a la serie que desde hace ya algunos años le voy dedicando -de manera ciertamente irregular- a la relación de nuestro príncipe con su banda madre The Byrds

En el anterior capítulo habíamos dejado al bueno de Gene, a comienzos de 1966, fuera de The Byrds, cuando éstos estaban a punto de entrar a grabar el que sería su tercer álbum “Fith Dimension” y el inicio de su etapa psicodélica, más no sin antes haber dejado para la posteridad junto a la mítica banda esa joya de la historia del rock and roll llamada “Eight Miles High”


Nos trasladamos ahora a octubre de 1967. La situación por entonces de nuestros protagonistas era más o menos así: Gene Clark estaba inactivo y con su futuro como solista en duda tras el fracaso comercial que había supuesto su debut en febrero de ese mismo año con el álbum “Gene Clark With The Gosdin Brothers”, un maravilloso ejercicio de folk rock, psicodelia y pop barroco ampliamente aclamado por la crítica pero ignorado por el gran público debido en gran parte a su coincidencia en el tiempo con el lanzamiento del cuarto álbum de su banda madre, el “Younger Than Yesterday”. The Byrds se encontraban por su parte en plena grabación del que sería su quinto trabajo: “The Notorious Byrd Brothers”. Pero la situación en el seno de la banda distaba mucho de ser buena. De los cuatro miembros restantes originales que habían entrado meses antes al estudio de grabación, no quedaban en octubre más que dos, pues tanto Michael Clarke como David Crosby habían sido despedidos por Hillman y McGuinn. En esa tesitura Gene Clark recibió la llamada de sus antiguos compañeros para regresar a la banda en sustitución de David Crosby e incorporarse a las sesiones de grabación de “The Notorious Bryd Brothers”. Y eso es lo que hizo nuestro protagonista… para volver a dejarla tan solo tres semanas después impedido de nuevo por su cerval miedo a volar, que le llevó a negarse a tomar un avión a Nueva York con sus compañeros. Fin de la historia. 

Durante su breve regreso a la banda Clark tuvo tiempo de aparecer en un programa de televisión junto a sus compañeros interpretando en playback “Goin’ Back” y “Mr. Spaceman” y de hacer una gira de conciertos por el medio oeste, al término de la cual tuvo lugar el incidente del vuelo a NY que dio al traste con su regreso. En cuanto a “The Notorious Byrd Brothers”, la presencia de Clark fue casi insignificante, reduciéndose a hacer backing vocals en “Goin’ Back” y “Space Odyssey” y a ser coautor no acreditado de “Get To You”, junto a Roger McGuinn, acreditada en el disco por error a la dupla McGuinn/Hillman. 



Octubre 1967 en el Smothers Brothers Show


"Get To You", una composición McGuinn/Clark 
acreditada erróneamente McGuinn/Hillman 

¿Qué paso después de esto? Aunque esa ya es otra historia no quiero dejar de mencionarlo, pues lo que vino valió la pena: The Byrds (Hillman y McGuinn) ficharon a Gram Parsons con el genial resultado por todos conocido, David Crosby se unió a Graham Nash y Stephen Stills, con ídem de ídem, y nuestro príncipe Gene Clark unió fuerzas con Doug Dillard para facturar esa joya pionera del grass y el country rock llamada “The Fantastic Expedition Of Dillad & Clark”


Y hasta aquí hemos llegado… Tres insignificantes semanas que sin embargo me han dado bastante más juego del inicialmente previsto.

¡Viva Gene Clark y Viva The Byrds!